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Se trata de un espacio de reflexión personal que pretende dar algunas claves de modo cercano y sencillo.
La Puerta Gótica, como parte de nuestra propuesta formativa, es un proyecto a través del cual los colegiales de Belagua queremos profundizar en el mundo del arte actual. Se trata de un espacio de reflexión personal que pretende dar algunas claves de modo cercano y sencillo. Exponemos obras de artistas que pretenden acercar el arte a la vida cotidiana. Algunos son artistas emergentes otros tienen una larga trayectoria como artistas pero todos ellos están interesados en ‘conectar’ con el público universitario.
Esta iniciativa apuesta por tener una presencia habitual en el campus de la Universidad de Navarra, abierto al público.
HORARIO: de lunes a viernes de 10 a 14h. y de 16 a 20h. Sábados y domingos cerrado. Cada exposición tiene en torno a dos o tres meses de duración.
EQUIPO: el equipo de la Puerta Gótica está formado, este curso 2022/2023, por Javier Viana y Jaime García (comisarios), Javier Serrano, María Laura Robalino e Iñigo Romero (colaboradores) y Nacho Perlado (director del espacio).
CONTACTO: si lo desea, puede contactar con nosotros a través de nuestro correo electrónico: cultura@belagua.edu.es
Cristina Navarlaz
Pleonasmos
DEL 17 DE ENERO AL 13 DE MAYO DE 2023
Hace un mes, me llamó la atención escuchar en el congreso “Arte y transformación social” organizado por el Grupo de Estética y Arte Contemporáneo (GEAC) de la Universidad de Navarra, la siguiente afirmación: “El taller es un espacio de experimentación y trabajo del artista”. Ahora, no me sorprende tanto esa declaración, ya que es algo que conocemos aquellos que vivimos en contacto con el arte y los artistas.
Sin embargo, en ese momento, estábamos preparando la exposición de Cristina Navarlaz, una artista que nos proponía convertir el espacio físico de nuestra pequeña sala de exposiciones en su espacio de trabajo. Pretendía, no solo exponer sus obras, sino también convertir la Puerta Gótica en una obra de arte efímero.
La Puerta Gótica con esta exposición ofrece al público, por primera vez, obras de arte efímero. En este catálogo solo mostramos las obras exhibidas en la exposición Pleonasmos. Son unas obras llenas de color, con una clara influencia del arte pop americano y que, en definitiva, muestran quién es Cristina Navarlaz.
Nacho Perlado (Director de La Puerta Gótica).
Cristina Navarlaz Zudaire (Pamplona, 1976).
Es una artista visual efímera como ella bien se define.
Cursó estudios de diseño textil y moda en la Universidad Ramon LLul.
Comenzó su andadura profesional en la televisión local. Ha realizado un recorrido profesional que le ha permitido deslumbrar como diseñadora, atrezzista, escaparatista y ahora, formadora.
A raíz de la pandemia, dio forma a un espacio nuevo, diferente, en Pamplona, donde aunar disciplinas y profesionales del mundo de la creatividad, y sobre todo, acercar dicha disciplina a todo aquel que la “necesite” en su día a día para adaptarse a las más diversas situaciones de la vida.
Pintaba desde muy pequeña y se formó con Mariano Royo Jiménez y José Antonio Eslava Urra. Pintar es su “pasión y ojalá mi profesión” según nos hace llegar con una gran sonrisa… Su técnica es mixta, variable, con un punto de autoconfianza extrema, un colorido arriesgado y una puesta en escena singular y fugaz.
Cristina es la creadora de Sala Obeya, un espacio donde vivir la creatividad de forma única.
Tato Zapata
Pintar la Biblia
DEL 4 DE OCTUBRE AL 20 DE DICIEMBRE DE 2022
Hace unos meses tuve la oportunidad de visitar la escuela de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco. El motivo, la defensa del trabajo fin de grado de un artista emergente al que conocía desde hace unos años: Tato Zapata. Quería ver su obra en vivo pues, en La Puerta Gótica, habíamos seguido sus progresos. Los lienzos me sorprendieron por su tamaño y me recordaron, en sus dimensiones, a los expuestos en 2017 del surrealista Francisco Hernández.
Descubrir la historia sagrada con indumentaria moderna no era algo nuevo. Chagall, Caravaggio o Bill Viola lo hacen. Pero las tres obras de Tato no solo contaban una historia, también pretendían ‘hablar’ al espectador del trabajo, el descanso y la libertad. Y eso fue lo que me llamó la atención ya que en su obra encuentro, y espero que
lo haga también el visitante de la Puerta Gótica, un artista que trabaja, que pinta, en busca de respuestas a una serie de preguntas.
La primera obra profundiza en el trabajo y traslada al lienzo un taller de coches amable, familiar, en un espacio campestre. Produce paz y da paso a la siguiente interrogación: el descanso. Descanso muchas veces dificil debido a las intensas jornadas laborales en la sociedad actual y que solo se soluciona despertando al que duerme, al único que da la paz, la libertad. Libertad que descubrimos en Eva y Adán en el momento en que deben tomar una decisión. La mirada de Eva a la manzana es potente. Mira la manzana que le conducirá a apartarse del dormilón pescador que duerme en la tempestad y del niño “superstar” que, con su madre, contempla un trabajo en el que está la salvación.
Esperamos que la contemplación de estas pinturas ayude al público universitario y a toda la ciudadanía a mirar y comprender las historias de la Biblia con ojos contemporáneos.
Nacho Perlado (Director de la Puerta Gótica).
Tato Zapata (Pamplona, 1978)
Graduado en Arte en la UPV/EHU (2022), en la especialidad de pintura.
Mural para local de restauración Le Banquier. San Francisco. Bilbao. 2021.
Ganador premio colectivo LONAS por el 50 aniversario de la facultad de BBAA de la UPV/EHU 2021.
Exposición colectiva IKAZA/CARBÓN en Gazte Bulegoa, Barakaldo, Abril 2021.
Creación del colectivo artístico la Basquita 2020.
Intervención Arteshop 2019 con la serie pictórica «You is you» en tienda de tallas grandes en el casco viejo de Bilbao.
Intervención artística urbana de revitalización de la calle Portu de Barakaldo «Cambia de cara, se llena de vida Itxura berria, bizitzaz betea» 2016.
Licenciado en Publicidad y RRPP en la UNAV (2000).
Trabajo en varias agencias de publicidad de creación propia, relacionadas con el marketing online y el product placement. Desarrollo de nuevo negocio, branding y brandgaming. · Bilbaíno de adopción.
Javier Santurtún
Buena gente
DEL 5 DE ABRIL AL 5 DE JUNIO DE 2022
Ahora, cuarenta exposiones después, la exposición que presentamos es futo de un deseo de anteriores comisarios y la dirección de la Puerta Gótica. Queríamos exponer, otra vez, la obra de Santurtún en el Colegio Mayor Belagua. Y nuestra sorpresa fue grande cuando, después de una visita a su estudio, comprobamos que estaba ante un nuevo desafío: representar la figura humana. Vimos alguna de las obras que ahora se exponen y descubrimos que para él las mujeres y los hombres son frágiles y, por ese motivo, emplea para representarlos elementos frágiles o rotos.
En esa visita nos llamaron la atención los títulos de las obras. Por un lado, parecían sencillos e irónicos pero comprendimos que lo hace para “pinchar” al espectador y conducirle a la reflexión. Por otro, resultaban demasiado obvios pero de obvios no tienen nada. Santurtún no decide los títulos a la ligera ya que para él tienen su importancia. Por eso los piensa con detenimiento, casi con mimo, y les da vueltas y revueltas. Un título hace que la obra se manifieste con más asombro y aporte sentido a los tacos y pedazos de madera siendo la aportación conceptual que hace el artista.
Esperamos que la contemplación de estas figuras humanas
contribuya a educar la mirada del público universitario y de toda la ciudadanía.
Nacho Perlado (Director de la Puerta Gótica).
Licenciado en Bellas Artes en 1985, por la Universidad del País Vasco, se ha dedicado a la pintura desde antes de 1976, año en que inauguró su primera exposición. Trabajó en el Departamento de Artes Plásticas del colegio Gaztelueta desde 1979 a 1999, compaginando la educación artística con sus propios proyectos creativos.
Ha realizado exposiciones de arte de manera habitual, mostrando un trabajo artístico nunca interrumpido hasta la actualidad. También ha realizado proyectos de escultura pública, murales urbanos e intervenciones en espacios interiores. Ha ejecutado diversos trabajos en el campo del arte sacro.
A lo largo del tiempo ha recibido premios y menciones en concursos de pintura y escultura, de arte urbano y de escultura pública.
Por último, ha llevado a cabo la creación de diversos espacios expositivos no convencionales, entre otros la Puerta Gótica, y ha diseñado y realizado proyectos de regeneración urbana por medio de intervenciones de artistas y participación de personas voluntarias.
Begoña García Gordo
Punto de partida
DEL 25 DE ENERO AL 25 DE MARZO DE 2022
Begoña es pintora con temple, buena disciplina y sonríe al hablar. Es desde luego consecuente, librando una lucha brava entre su profesión de arquitecta y el asumir esa libertad expresiva, oceánica, que permite la pintura artística.
Su profesionalidad le aporta rigor, disciplina de trabajo, comprensión inmediata y una aportación cultural de alto nivel. La pintura le abre puertas a la sensibilidad, algo así como palpar las propias cualidades y dotes o gritar ¡existo!
Volcarse en la complejidad de este mundo reconciliándose, siendo testigo, o bien amando.
Hay que tener coraje para ello, Begoña ahí está sonriendo valiente, logrando pasar barreras, sorprendiendo en audacias y abundante trabajo que aspira hacia una pintura de gran aliento. Hay mucho más que promesas en su pintura; hay determinación, hay batalla y vida. Está todo en ella que a su vez busca todo, y seguro encontrará y dará sentido.
Entre tanto produce excelente pintura a veces perpleja, preguntando muy bien, y siempre interesante en su buen hacer.
Antonio Eslava.-
PUNTO DE PARTIDA
Representa para mí, el inicio del desarrollo de una carrera artística, donde espero poder divertirme y crecer tanto a nivel artístico como personal.
La muestra incluye una selección de obras realizadas entre los años 2019 a 2021.
No me gustaría terminar estas pequeñas pinceladas de mi vida sin hacer mención a las dos figuras que más han marcado mi pasión por la arquitectura y la pintura, y la búsqueda de la belleza en aquello que hago:
Javier Carvajal, arquitecto y profesor de Proyectos durante mis años universitarios en la Escuela de Arquitectura de Pamplona y Antonio Eslava, gran humanista, artista, amigo y mejor persona, que siempre ha alentado esta otra pasión y me ha dado el valor para lanzarme a esta nueva aventura.
Y para finalizar, agradecer al Colegio Mayor Belagua, la confianza depositada en mí para la realización de esta exposición.
Begoña García Gordo.-
Instagram: @bggordo.com
Email: taller@bggordo.com
Miguel Coronado
La luz de la belleza
DEL 5 DE OCTUBRE AL 05 DE DICIEMBRE DE 2021
Cada uno de nosotros entiende y experimenta la belleza de forma única. Sin embargo, ésta surge cuando es una mirada atenta la que capta lo mejor de una imagen. Por eso, las obras de Miguel Coronado que mostramos en esta exposición ofrecen su idea de belleza, que parte de lo cotidiano y proporciona al espectador unas composiciones pictóricas llenas de luz.
Carla Querejeta Roca
Siempre es hoy
DEL 20 DE ABRIL AL 15 DE JUNIO DE 2021
Alba Lorente Hernández
Damniato memorae
DEL 23 DE FEBRERO AL 13 DE ABRIL DE 2021
Damnatio memoriae, «condena de la memoria». El término da nombre a las acciones realizadas en la antigua Roma destinadas a borrar la vida de un individuo procurando su muerte histórica y pretendiendo deshacerse de su recuerdo. Para ello destruían todo tipo de imágenes, monumentos, escritos y nombramientos del sujeto, era condenado al olvido.
Colectiva
Inferno, purgatorio, paradiso
DEL 27 DE OCTUBRE DE 2020 AL 23 DE FEBRERO DE 2021
A lo largo de la historia muchos artistas se han inspirado en los versos de Dante para sus obras de arte. Son famosas las ilustraciones de Gustav Doré, las de William Blake, Salvador Dalí o, recientemente, Miquel Barceló. Por eso, ahora, José Rodríguez López, comisario de la exposición, busca que los visitantes, acompañados por cinco artistas, caminen con Virgilio y Dante por el infierno y el purgatorio con la esperanza de encontrar a Beatriz en la Puerta del Paraíso.
El pintor guipuzcoano Antonio Oteiza ofrece una visión personal de la Gloria del Paraíso inspirada en el capítulo 13 versículo 43 del evangelio de San Mateo (“entonces los justos resplandecerán como el sol en el reino de su Padre”); el madrileño Vicente Molina se atreve, igual que Sara Prieto, con obras que representan las realidades del Infierno, el Purgatorio y el Paraíso. Molina, sirviéndose de esculturas y relieves, muestra una interesante visión del infierno y el purgatorio que finaliza en un celeste paraíso. Las ilustraciones de la bilbaína Sara Prieto recrean con finura tres pasajes de la comedia, en tinta negra con detalles en rojo que centran nuestra atención. En cambio, el pamplonés Fermín Alvira revela las realidades eternas, inspirándose en el formato de los primitivos flamencos, en una única obra: un tríptico repleto de poesía. Por último, Diana García Roy, escultora pamplonesa afincada en Madrid, nos ofrece en bronce dos pequeñas y delicadas puertas de entrada al paraíso.
Pau Cassany
El no lugar
DEL 15 DE SEPTIEMBRE AL 27 DE OCTUBRE DE 2020
Andar significa también acumular nostalgias de lugares. Recordamos apariencias de ciudades enteras por la arquitectura, los muros, las ventanas, las puertas… Los espacios recorridos y añorados se nos presentan simultáneos, ubicuos, al lugar por el que caminamos ahora, se superponen. Decía de Certeau que los lugares vividos son como presencias de ausencias […].
Los paisajes inventados por Pau Cassany parten de esta lógica del no lugar que supone la coincidencia imaginaria de los lugares vividos pero no habitados, convirtiéndolos en todos y en ninguno al mismo tiempo. Su proceso creativo recurre a esa mirada vagabunda, inconforme y frustada por no poseer la totalidad del espacio […].
Dailey Fernández González
Comisaria de la exposición
Colectiva
De las minas al baztán
DEL 21 DE ENERO AL 13 DE MARZO DE 2020
Nos encontramos ante la primera exposición colectiva de La Puerta Gótica, el espacio de arte que, desde hace siete años, el Colegio Mayor Belagua dedica al arte contemporáneo. En esta ocasión, las dieciocho obras de la muestra son fruto de un primer encuentro que tuvo lugar en 1949 entre los baztaneses José María Apezetxea, Ana María Marín e Ismael Fidalgo, pintor vizcaíno oriundo de la tierra minero-metalúrgica de las Encartaciones vizcaínas.
Desde entonces Fidalgo, como señala Zubiaur, actuó de imán y acercó a la villa baztanesa a otros pintores vizcaínos. A él se debe el aporte del geometrismo constructivo a lo Cézanne que desde ahora se conjugará, en menor o mayor medida, con la dulzura característica del valle en los soportes pintados por Kepa Arizmendi, la propia Ana María, Tomás Sobrino, el labortano Xabier Soubelet, el guipuzcoano José Mari Rezola, y en otros vizcaínos atraídos por Fidalgo como Alberto Gómez Gonzalo “Echarte”, Ángel Aja y Marcelino Bañales.
Los encuentros y salidas al campo para pintar entre vizcaínos y navarros, que comenzaron de manera fortuita al acudir destinado Fidalgo a Elizondo para hacer el servicio militar, continúan en la actualidad. Cada uno de los pintores que presentamos a continuación, a pesar de la diferencia de edad y su propia personalidad pictórica, tienen en común la atracción que sienten por el paisajismo pictórico, que nace sin duda del encuentro de todos ellos en el inspirador valle del Baztán.
Héctor Urra
Poética de la fractura
DEL 26 DE NOVIEMBRE DE 2019 AL 10 DE ENERO DE 2020
Bajo el título “Poética de la fractura” se reúnen un grupo de esculturas realizadas en piedra y madera. Estos materiales escultóricos, antiguos y evocadores, son tan protagonistas del relato como el mensaje mismo.
La superficie de cada obra muestra sus huellas, heridas y fracturas. Estas, creadas por medio de las herramientas, sugieren un mapa íntimo como el que cada persona lleva esculpido por su esencia y experiencia vital. Las esculturas, de un modo poético, nos hablan del ser humano y de sus anhelos, de su deseo de transformar el mundo sin esconder su fragilidad ante el inexorable paso del tiempo.
La muestra, desde un respeto a los procesos y al oficio, es un homenaje a lo más profundo de lo humano; la energía de la creación.
Héctor Urra (Pamplona, 1973)
Héctor Urra ha realizado más de veinte exposiciones individuales comenzando en 1994, compaginado en ellas el dibujo, la pintura y la escultura. Si bien cursó Bellas Artes entre las ciudades de Salamanca y Bilbao, los espacios que más le han marcado artísticamente son Arteta en Navarra, Florencia en la Toscana y su ciudad natal, Pamplona.
De Arteta reconoce como su primer maestro al escultor Joxe Ulibarrena. A quien allá por 1990 lo formara, siempre agradecerá su acogida, su tenacidad, su energía y su dedicación transmitiéndole los fundamentos de las técnicas escultóricas.
De Florencia, del verano del 2012 en La Bottega degli Artisti, a los pies delDuomo Santa María del Fiore, lleva consigo los consejos de Lorenzo Calcinai, scalpellinode oficio y tradición con quien tuvo la suerte de trabajar. Igualmente, su amor, admiración y respeto por la técnica llevada al límite, son para Héctor Urra herramientas de viaje imprescindibles.
La docencia le ha llevado a trabajar 14 años como docente de talla en madera y piedra en La Escuela de Arte de Pamplona. No olvida a quienes con su dedicación, interés y pasión han sido su fuerza y motor. Al alumnado de la Escuela de Arte de quien dice siempre ha recibido mucho más de lo que ha dado, dedica esta muestra y su más sincero agradecimiento.
Pilar Guerrero
Involventes
DEL 29 DE OCTUBRE AL 20 DE NOVIEMBRE DE 2019
En el campo almeriense la vida es un milagro que surge de la tierra y crece protegida por una piel que la envuelve.
Un paisaje construido… horizonte infinito de plásticos, mallas, hierros y alambres que se superponen y se estiran hasta llegar a romperse en su afán por dar cobijo a los cultivos que crecen en su interior.
Envolventes es una mirada a la piel del invernadero cuya apariencia dura, vulgar y monótona alberga, sin embargo, un sugerente mundo de formas, texturas y transparencias.
Pilar Guerrero Jerez (Almería, 1969)
La arquitectura es mi vocación y profesión.
La fotografía es una reciente y apasionante afición que me ofrece la oportunidad de mirar al mundo que me rodea y contar lo que veo.
Me resulta sorprendente la belleza que se esconde en las cosas más cotidianas: cómo dependiendo del punto de vista, de la luz, de las texturas…, nuestro entorno más cercano puede ser visualmente emocionante.
En el año 2015 realicé mi primer proyecto fotográfico y, desde entonces, mi cámara se ha convertido en una compañera inseparable en la búsqueda de formas, geometrías…, de esa sencilla belleza que surge a nuestro alrededor.
La arquitectura me ha llevado a la fotografía y, al mismo tiempo, cada una de mis fotografías me devuelve la mirada hacia la arquitectura.
Maite Canto
Nidos
DEL 24 DE SEPTIEMBRE AL 24 DE OCTUBRE DE 2019
Nidos es el resultado formal evolutivo de mi etapa anterior “pictorrelieves” y define todos los micro mundos que cada persona creamos a nuestro alrededor. Desde el útero materno buscamos nuestras zonas de confort: familia, pareja, trabajo, hábitos… Tan rutinarios, tan íntimos que sus debilidades y fortalezas nos resultan a menudo invisibles. Nidos son conexiones entre personas, como una red de energía que se transmite a través del gesto como algo real que mueve el mundo y lo transforma. Es fascinante cómo un nido entra en conflicto en su propia definición como algo estable e inamovible, y a su vez en continuo movimiento, en continua construcción.
El color lo inunda todo como transmisor de esta energía. La obra, en su mayoría monocroma, ensalza el poder de las formas y el movimiento, centrándose en transmitir sentimientos reales a través de ellas a modo de gestos visuales. Sus formas responden a su definición. Concéntrica redonda o en estratos aparentemente frágiles dulces y agresivos a su vez.
Es una conceptualización de los objetos en la obra, dejando de lado lo superficial y atendiendo a las formas como expresión de una idea mental que queremos transmitir. Así algunas obras parecen defenderse del propio espectador, otras lo envuelven, lo acunan, lo aceptan, o simplemente se dejan observar ajenas a todo exterior.
Nido de pájaro, enjambre, hierba, ramas, conexiones neuronales, olas entrelazadas, flores huecas… Son estructuras rotas cuyo interior no puede albergar nada. Desprovistos de su utilidad atienden solamente a una belleza formal, liberados de su obligación, alejados de toda perfección. Cualquier materia se trata con la misma solidez; el viento, el agua la tierra… nada es consistente, todo está en continuo movimiento.
Maite Canto Equisoain (1973), licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en la especialidad de Diseño (1998), con una vida entre sus residencias habituales, Vitoria y Pamplona, fijando su estudio en esta última.
La artista ha publicado a lo largo de su larga carrera de diseñadora, numerosos trabajos para grandes empresas como Euskaltel, Gas Natural, ONGs como Anesvad, estamentos públicos como Parque tecnológico de Bilbao y de Álava, Gobierno Vasco, Palacio Euskalduna, diseño para Hoteles como Hesperia, Campaña contra la violencia de género y diferentes museos del País como Museo Thyssen Málaga o Guggenheim Bilbao. En este último museo, galardonada con un Premio de Diseño en Milán en I Premio Concurso Internacional de Diseño Fedrigoni. Pack Audovisual diseñado para Armani en su exposición Guggenheim Bilbao.
El trabajo artístico de Maite Canto ha sido expuesto en galerías e instituciones públicas, mayoritariamente en País Vasco y Navarra, como Galería de arte s2estudio (2008) y Fundación Caja Vital (2011) en Vitoria. En Ciudadela de Pamplona (2014-2019) y Casas de Cultura como la de Lodosa, Aoiz e Iturrama (2009), Estella, Viana y Palacio de Uranga de Burlada (2010) y estamentos públicos como la UPNA (2011), Marcilla (2012) y Sangüesa (2016). Los diferentes catálogos de las obras de Maite Canto salieron a la luz coincidiendo con las exposiciones de Reflejos, H2O, Camino de Santiago, Silicone21 y nest–shield, su muestra más reciente. En ellos se ve una evolución artística que parte de la pintura y evoluciona al mundo tridimensional, la escultura influida por su disciplina en el mundo del diseño.
Diego Pedrero
Visiones y versiones
DEL 2 DE ABRIL AL 2 DE MAYO DE 2019
Visiones y Versiones.
Pequeña recopilación de pensamientos poéticos traducidos a colores, formas y materias. Poesía a veces reconocible, en ocasiones no tanto pero siempre sincera. Tensión emocional fuente de creación e inspiración de mis obras.
Diego Pedrero.
Detalle de participación en exposiciones colectivas y en varios concursos, obteniendo diversos premios:
El primer premio de pintura de la Academia de decoración Leonardo Da Vinci, Bilbao; en 1975.
El primer premio de pintura de Arte Decorativa en la Bienal de Vitoria.
El segundo premio concurso de Pintura al aire Libre “Marcelino Bañales” de Abanto-Zierbena, en 2012.
El segundo premio concurso de Pintura rápida de “Limpias”, en 2012.
El primer premio concurso de Pintura rápida “Deusto Bizirik”, en 2013.
El segundo premio concurso Pintura rápida de la Cafetería Iruña “La Primavera en Jardines de Albia”.2013
El segundo premio de pintura rápida en Laredo “Puebla Vieja”, en 2014.
El segundo premio concurso Pintura rápida “Sondika”, en 2015.
1982 – Blanco y Negro (Madrid)
1983 – Ayuntamiento de Baracaldo
1983 – Arteder (Bilbao)
1984 – Galería Sen (Madrid)
Bienal de Barcelona
III Certámen Vasco-Navarro
Caja de Ahorros y Monte de Piedad (León) Ponferrada
Pintores Leoneses (León)
2017 – Castillo El Faro (Castro Urdiales)
2018 – Sala de exposiciones, biblioteca central del Auntamiento de Barakaldo.
Fermín Alvira
La ausencia del cuerpo
DEL 19 DE FEBRERO AL 19 DE MARZO DE 2019
En la serie La ausencia del cuerpo, realizada ex profeso para este espacio de La Puerta Gótica, se tensionan en diálogo aspectos como geometría y organicismo, azar y control, academicismo y expresionismo, figuración y abstracción, razón y emoción. La vida, así como el sentido mismo del ser humano, está llena de antagonismos.
El círculo es la forma geométrica más dinámica, ingrávida, menos hiriente, más silenciosa, y más asociada con las ideas de infinito y eternidad. En las imágenes religiosas el círculo simboliza el aura de santidad. ¿Qué sucede si eliminamos la representación del cuerpo? Nos queda el círculo, la esencia, la perfección de la geometría. Sin embargo la belleza del cuerpo se hace presente en aquellos fragmentos de cuerpo que transmiten amor.
Durante la preparación de esta exposición desapareció el cuerpo de mi padre. Siento que pintando círculos voy a encontrarle. Crear un círculo requiere silencio, calma y delicadeza; pinto su santidad, su naturaleza, su bondad. Lo hago para entender la ausencia de su cuerpo, y la presencia de su alma. En otras ocasiones he pintado su cuerpo. Ahora pinto su esencia.
A todo lo aprendido, compañero.
Fermín Alvira.
Fermín Alvira Palacios (Pamplona, 1972) es Licenciado en Bellas Artes (Conservación-restauración y Pintura) y Máster en Terapias Artísticas y Creativas. Artista de reconocida trayectoria, con numerosas exposiciones individuales y colectivas, presente en diversas colecciones e instituciones y galardonado con premios por su obra pictórica, es también profesor de Pintura, Arte y Arte Contemporáneo. Además, tiene una faceta de arteterapeuta, pues desarrolla proyectos didácticos y terapéuticos en ámbitos de integración social para niños, adolescentes y familias.
Escribe sobre arte, imparte charlas, conferencias, visitas guiadas, y es miembro de jurados de concursos de arte. Su obra se define como figuración neo-expresionista, en la que el gesto, la mancha y el azar forman parte del proceso de trabajo, atendiendo al dibujo y la composición como ejes fundamentales, así como el color, vehículo de expresión emocional. Reflexiona en torno a ideas procedentes de lo cotidiano, trascendiendo su propio significado hasta hacerse universales. Lo cercano adquiere una dimensión espiritual; imágenes metafóricas sobre el amor, aspectos sociológicos y conceptos románticos o psicológicos.
Antonio Oteiza
Miradas
DEL 14 DE ENERO AL 14 DE FEBRERO DE 2019
¿Cómo saber sin la mirada de Jesús la hondura de su humilde grandeza? Y, ¿cómo saber de Él sin mirar sus ojos? Estas pinturas de Antonio quieren desvelarnos un poco el fulgor de sus miradas. Y dejándonos mirar, entendamos el sentido de la vida y la hermosura.
Sus figuras no son naturales, tienen la expresión del alma espiritual, son trascendentes, tanto en el tema como en la expresión. Rompen lo visual, la materia, la hieren incluso, para que salga el espíritu. Ahí logra esa belleza que comunica lo divino, la belleza que se hace vehículo de la verdad y la bondad.
Dice Antonio que lo sacro en el arte es un adjetivo que se hace sustantivo, que se independiza, que se hace espíritu, realidad invivible que se hace vivible. Por eso la percepción de lo sacro precisa de cierta empatía. Lo sacro si no es original, no es.
Disfrutemos de estas miradas, parte pequeña pero entrañable, de la inmensa obra sacra que ha desarrollado Antonio.
Texto: María Isaba Senosiain
Antonio Oteiza Embil nace en San Sebastián en 1926. Hermano menor de Jorge Oteiza, ambos escultores, y en esta última etapa, Antonio también pintor. Es franciscano capuchino y artista, una versión moderna de aquellos antiguos “milagros de la naturaleza” en los que el sentido del misterio, especialmente en la llamada prehistoria, se revelaba en una admirable fusión de arte y religión.
Antonio es un filósofo de su quehacer artístico. Ha creado su propio lenguaje. Si el itinerario vital de su hermano Jorge fue hacia la abstracción, el de Antonio ha sido el inverso. Es la visión y el contacto con la naturaleza, tras varios años de misionero en la Amazonia, los que le han hecho sentir su misterio. Quien contempla sus obras ve claro que nunca renunciará a ese enriquecedor contacto con la historia y la vida del hombre: el hombre con sus hábitos y sus pasiones, sus oficios, el arte, el deporte, sus problemas vitales… Todo lo que es humano solicita su mirada interior.
Pero su dedicación casi plena ha sido al arte sacro, tanto en escultura como en pintura. Creo poder decir que en esencia busca, anhela, vive “el esplendor de la sencillez”. La naturaleza es sagrada y no hay que profanarla porque es imagen sagrada, tiene aura, dice Antonio. No hay teoría, según él, que pueda justificar una pintura si las palabras no se descubren en la obra. Abrir la mirada y es posible que se descubra algo más allá de aquello que se tiene a la vista.
Texto: María Isaba Senosiain
Amézaga
Introducción sinfónica 8.7: Métal (II)
DEL 20 DE NOVIEMBRE AL 20 DE DICIEMBRE DE 2018
Una conocida fotografía de Berenice Abbott fue el detonante para iniciar este proyecto fotográfico, centrado en el Puente Vizcaya -declarado Patrimonio de la Humanidad el 13 de julio de 2006- y que estoy desarrollando desde comienzos de 2018, coincidiendo con su 125 aniversario.
Siguiendo mis intereses artísticos -ligados casi siempre al entorno industrial de mi Bizkaia natal- esta colección busca la abstracción en la estructura, dialogar con la geometría y el detalle del monumento, alejándose de las referencias urbanas en el que se ubica. Constituye así un exponente imprescindible en mi preferencia fotográfica: “estructuras”.
Con todo, considero de capital importancia en esta ocasión el trabajo de documentación e investigación como fuente de inspiración en la desarrollo de la obra, creando interesantes relaciones entre “sujetos” de diversa índole, siendo este el caso del ingeniero constructor Ferdinand Arnodin y sus puentes transbordadores de Rochefort, Marsella (éste destruido) y Newport, la fotografía industrial de Germaine Krull, y la fotografía urbana de Berenice Abbott.
Esta exposición es la primera del proyecto, y muestra una pequeña parte de la colección.
Amézaga escribe su ‘Autorretrato’:
Punto de partida. Yo soy una vocación tardía. En los años de universidad no entendía la pasión por la fotografía de un gran amigo mío (Nicolás Wolinskyj). A mí sin embargo me entusiasmaba el arte, y me sigue entusiasmando. Mi bagaje fotográfico procede en última instancia del mundo del arte (arte también es la fotografía, por supuesto). Por razones de trabajo, a mediados de los 90, tuve que empezar a utilizar con frecuencia la cámara. Era pura identificación de objetos, lugares, personas. Fue entonces cuando el ojo fotográfico empezó a trabajar y a descubrir lo bello de la fotografía.
Trayectoria. La trayectoria artística, temática, conceptual, la evoluciono a un ritmo no forzado, el que marca la ley de la gravedad del arte. En la fotografía como en el arte no hay nada estático. Una cosa lleva a otra y ésta a su vez a otra. He pasado por fotografiar cosas atractivas, que a todo el mundo (sensible o insensible) llaman la atención. Quizá ahora busco descubrir y plasmar la belleza de lo ordinario.
Interés. Lo concreto, lo urbano, las texturas, las pocas referencias espaciales, las composiciones sencillas, lo cotidiano, la tendencia a lo abstracto, el color (los grises son color también) y ¡la luz!. Allá donde pueda encontrar estos matices, allí me siento a gusto fotografiando. No me inspira lo social (si aparecen personas son casi estatuas), poco la naturaleza (pasé por ella con entusiasmo) aunque aún hay cosas que me interesan.
Estilo. El ojo de cada fotógrafo es distinto; la percepción de la realidad, y la sensibilidad de cada uno es diferente. Pero bien es verdad que aunque el mundo es muy grande y los temas muy variados, siempre habrá muchas cosas en común con otros fotógrafos. No busco diferenciarme y ser original; el esfuerzo lo centro en convencerme de lo que hago, y en captar y transmitir mi mundo, mi forma de ver la realidad.
Luz Estefanía Hierro
Teresa
DEL 16 DE OCTUBRE AL 16 DE NOVIEMBRE DE 2018
Investigo sobre mi pintura, así como el acto creativo, que es el proceso por el cual llego a ella. Este proceso parte de la experiencia de lo cotidiano y mi actitud, en él, conlleva que el acto creativo y la vivencia no puedan darse por separado, haciendo a uno causa del otro.
Mi estrategia consiste en abrir espacios, haciendo que el lugar se vuelva fluido, que entre en un estado de constante cambio. Y es, precisamente, esta estrategia la que justifica los objetos que utilizo para llegar a mi pintura.
Teresa forma parte de mi experiencia de lo cotidiano. Ella es el único lugar al cual vuelvo constantemente. Pinto a Teresa porque, ahora, no puedo pintar otra cosa. Ella se ha convertido en el medio a través del cual llego a mi pintura; y está, pudiendo no estar en cualquier momento.
Trabajo las cuestiones que tienen que ver con el lenguaje pictórico, pero también con lo que se queda fuera, y con el residuo que deja el proceso en un registro en el que la pintura habla de sí misma. Me pregunto por la influencia del sujeto creador y el modelo (la excusa) como elementos periféricos en una obra en la que la pintura es centro. Cuestiono la influencia del modelo, cuando es un cuerpo el que pinta a otro cuerpo.
Luz Estefanía Hierro (Logroño, 1992) se graduó en Arte por la Universidad del País Vasco en 2015. Cursó la carrera entre Málaga y Bilbao, donde se quedó para continuar sus estudios con un Máster en Pintura. Actualmente reside en Bilbao, donde desarrolla su proyecto personal, junto con otras propuestas artísticas en colectivo.
En los últimos años, su obra se ha expuesto en Málaga, Pamplona y varios municipios del País Vasco, siendo artista becada en el Centro Cultural Montehermoso. Algunas de sus últimas muestras han sido ‘Ago-txilci’, en Juntas Generales de Bizkaia (Bilbao), y ‘Out of the loop’, en Montehermoso (Vitoria).
José Jesús Lorenzo
Claroscuro
DEL 10 DE SEPTIEMBRE AL 10 DE OCTUBRE DE 2018
Con esta colección, José Jesús Lorenzo hace una incursión al claroscuro de la vida, siempre formada por luces y sombras, donde surgen espacios cotidianos –paisajes, costumbres de la calle, vivencias entre personas- que enfatizan ese contraluz que busca el autor: el amor inspira a las personas y el arte es una expresión de éste.
Con su apuesta por la fuerte expresión, donde el protagonista es la propia acción cotidiana del amor, Lorenzo pone el foco no en la individualidad de las personas o paisajes que traza en su obra, sino en “el todo” que emana de la propia fuerza de la expresión del amor y que invita al espectador a la reflexión sobre la vida, llena de claroscuros, o a la imaginación, fruto del silencio reflexivo.
La colección “Claroscuro” no es sino la síntesis de la visión holística que busca Lorenzo: todo paisaje y cada uno de nosotros forma parte de un “todo” mayor, que nace de la fuerte expresión del trazo del amor.
José Jesús Lorenzo Vázquez (Cieza, Murcia, 1946), dibujante y pintor, se formó bajo la guía de los profesores Juan Solano y Lázaro Martín Iniesta, y más tarde en Bellas Artes de Zaragoza. Completó su formación con Diseño de Moda, el paso definitivo para entrar en el mundo de la peletería. Se ha convertido en un punto de referencia internacional por sus diseños contemporáneos en piel. A su peletería Groenlandia en Pamplona llegan clientes de Nueva York, Montreal, Dubai o Hong Kong, ciudades donde sus colecciones se presentan con gran éxito.
Sus obras en peletería han protagonizado desfiles en la pasarela Cibeles y, junto con sus cuadros, Lorenzo ha expuesto en numerosas muestras colectivas en museos, castillos y otros espacios junto a la Plataforma de Arte Contemporáneo (PAC).
Diego de Pablos
Semejanza
DEL 16 DE ABRIL AL 16 DE MAYO DE 2018
Diego de Pablos Lizaur (Pamplona, 1973) cursó Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. En 2006 recibe la Beca Velázquez, otorgada por el pintor Antonio López. Ha realizado numerosas exposiciones, como “Retratos 1993-2000”, exposición individual en el Polvorín de la Ciudadela; “Plural” y “Panorama”, exposición colectiva en la Galería Juan Gris de Madrid y “Silencios”, exposición de 22 pintores navarros en el Baluarte.
Marta Galindo
La intemperie de la imagen
DEL 15 DE ENERO AL 15 DE FEBRERO DE 2018
La artista es graduada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, Facultad de Bellas
artes (Sevilla, 2013-2016). Beca Erasmus en De Montfort University en BA (Hons) Fine Arts
(Leicester, Reino Unido, 2015-2016). Estuvo en la residencia artística Beca para jóvenes creadores en la Fundación Antonio Gala (Córdoba, 2016-2017).
Rosa Valbuena
Edificios anónimos
DEL 20 DE NOVIEMBRE AL 20 DE DICIEMBRE 2017
La exposición contó con diez acuarelas que hablaban de los paisajes urbanos que rodean a la artista. «Huyo de las temáticas bucólicas. Busco la inspiración en las situaciones que vivo. Igual una secuencia que capturo con el móvil en un momento dado me sirve para trabajar durante una mañana”, señaló Rosa Valbuena en la presentación. “Busco registrar el mundo que me rodea”.
(Bilbao, 1967) Licenciada en Bellas Artes por la U.P.V.-Universidad del País Vasco en 1990. Becaria de la Fundación Rodríguez Acosta y Junta de Andalucía. Cursos de Artes Gráficas en Bilbao Arte.
Pedro Quesada
Esculturas y pinturas
DEL 23 DE OCTUBRE AL 13 DE NOVIEMBRE DE 2017
Esta exposición gira entorno a las ideas de presencia – ausencia en relación a la experiencia humana, a través de la escultura como elemento superador del tiempo, desde un punto de vista fundamentalmente poético.
La anatomía aparece deshabitada, abandonada o tomada por la naturaleza, en un acercamiento al drama del ser humano frente a su desaparición.
El interés por la muerte no se centra en la destrucción sino en el proceso de trascendencia en una búsqueda de consuelo y sentido.
Francisco Hernández
Pinturas
DEL 18 DE SEPTIEMBRE HASTA 18 DE OCTUBRE DE 2017
Reconocido pintor y dibujante español. El artista, que en los años 60 fue señalado por Salvador Dalí como su sucesor, mezcla en su historial tanto clasicismo como modernidad. La exposición que albergó el Colegio Mayor Belagua “se trata de una breve muestra de la última etapa de Paco Hernández. Una etapa de síntesis, de un desarrollo pictórico totalmente en evolución, como la de los grandes pintores del siglo XX”, afirma Rafael Reyna, responsable del legado del artista.
Francisco Hernández nace en Melilla, pero pronto se instala en el municipio de Vélez-Málaga, lugar del que era Hijo Adoptivo. Ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Madrid en la década de los 50. Comenzó a producir obras desde muy pequeño. Sus trabajos están presentes en museos como el de Arte Contemporáneo del Vaticano en Roma, el de Arte Moderno de Milán, el Museo Diocesano de Málaga, la Institución de Buckley en Connecticut (EE.UU.), la fundación Picasso de Málaga o el Palacio de la Zarzuela de Madrid. En 1985 fue nombrado académico de número de la Real Academia de San Telmo de Málaga y ha sido galardonado con un largo etcétera de premios, entre ellos: el premio March de Bellas Artes, el premio colectivo internacional de la XXXV Bienal de Venecia y el premio nacional de dibujo de la revista Correo del Arte.
Diana García Roy
Esculturas
DEL 27 DE FEBRERO AL 20 DE MARZO DE 2017
Margarita de Lucas, directora de la Galería Edurne, afirma que “las obras que presenta esta joven escultora hay que mirarlas despacio, con atención, porque están realizadas con criterio, con sabiduría y con una enorme dosis de valentía (…). Diana García Roy es una escultora capaz de dar a la materia su personal vibración-emoción”.
Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense. Madrid (1999). Becada en la Real Academia de España en Roma (2011-12). En 2010 realiza una estancia de trabajo y aprendizaje en el Taller del escultor Venancio Blanco. Ha recibido otras becas como la de la Casa de Velázquez (2006), Beca de Humanismo Barta & Partners (2001) y Beca encuentro Internacional de Jóvenes escultores Domaine de la Roseraie, Bruselas (1999).
Víctor Manzanal
Los deshabitados
DEL 23 DE ENERO AL 23 DE FEBRERO 2017
La exposición contó con diez acuarelas que hablaban de los paisajes urbanos que rodean a la artista. «Huyo de las temáticas bucólicas. Busco la inspiración en las situaciones que vivo. Igual una secuencia que capturo con el móvil en un momento dado me sirve para trabajar durante una mañana”, señaló Rosa Valbuena en la presentación. “Busco registrar el mundo que me rodea”.
(Bilbao, 1967) Licenciada en Bellas Artes por la U.P.V.-Universidad del País Vasco en 1990. Becaria de la Fundación Rodríguez Acosta y Junta de Andalucía. Cursos de Artes Gráficas en Bilbao Arte.
Daniel Silvo
Casa y coche
DEL 21 DE NOVIEMBRE AL 21 DE DICIEMBRE DE 2016
Esta exposición gira entorno a las ideas de presencia – ausencia en relación a la experiencia humana, a través de la escultura como elemento superador del tiempo, desde un punto de vista fundamentalmente poético.
La anatomía aparece deshabitada, abandonada o tomada por la naturaleza, en un acercamiento al drama del ser humano frente a su desaparición.
El interés por la muerte no se centra en la destrucción sino en el proceso de trascendencia en una búsqueda de consuelo y sentido.
César Azkárate
«Imaginary spaces»
DEL 17 DE OCTUBRE AL 17 DE NOVIEMBRE DE 2016
Azkárate, profesor de Proyectos de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad de Navarra (ETSAUN), es uno de los arquitectos nacionales contemporáneos más reconocidos. Recientemente ha llevado a cabo la remodelación del Estadio de Fútbol San Mamés, “la catedral” del Athleti de Bilbao. César Azkarate, es arquitecto graduado en la propia ETSAUN (1990), imparte docencia en su departamento de Proyectos desde 1991. Su actividad profesional se desarrolla en ACXT Arquitectos (IDOM Ingenieria y Consultoría) desde 1992. Buena parte de su labor edificatoria ha sido premiada y publicada, pudiendo destacarse entre sus obras construidas la comisaría de Policía en San Sebastián reconocida, en 1995, por los Euro-Belgian Architectural Awards, y la comisaría de Policía en Bilbao ganadora del Premio Erich Degner de Arquitectura en 1996.
Juan de la Rica
Obra pictórica
DEL 12 DE SEPTIEMBRE AL 7 DE OCTUBRE DE 2016
Juan de la Rica (Bilbao, 1979) es un pintor español. En 2007 se licenció en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco. Desde entonces ha mostrado su obra en numerosas exposiciones nacionales e internacionales.
Su pintura se caracteriza por sus colores planos y saturados, y sus líneas limpias y sintéticas. Los temas que trata son variados, abarcando la naturaleza muerta, el retrato, escenas mitológica y religiosas, etcétera.
Generalmente aborda estos temas desde la ironía y el humor, pero siempre buscando una narrativa abierta, donde haya espacio para la libre interpretación.
CURRICULUM DE JUAN DE LA RICA:EXPOSICIONES INDIVIDUALES
2021
DE NADA – Galería Lumbreras – Bilbao
Fundación Carlos de Amberes – Madrid
THE INCIDENT – Gitler &___ Gallery – Santa Barbara, CA (USA)
2019
LA TRAMA – Galería Ormolú – Pamplona (Navarra)
2018
FINAL DEL JUEGO – XX Muestra de Arte Contemporáneo DMencia – Doña Mencía (Córdoba)
ARTEMIS – Galerie Sebastien Adrien – París (Francia)
ESPEJISMOS – Os Catro Gatos – Santiago de Compostela (La Coruña)
2017
FÁBULAS Y OBSTÁCULOS – Galería Ormolú – Pamplona (Navarra)
TIPOS POPULARES – Centro Cultural Villa de Móstoles – Móstoles (Madrid)
2016
IN ICTU OCULI – Galería Materna y Herencia – Madrid
La Puerta Gótica – Pamplona (Navarra)
Belaza Gallery – Bilbao
FARSA FIGURADA – Centro de Arte Tomás y Valiente (CEART) – Fuenlabrada (Madrid
2013
Casa de Cultura, Trucios (Vizcaya)
2012
Eleskaparate – Barakaldo (Vizcaya)
2011
INERCIAS – Sala Torrene – Getxo (Vizcaya)
FINISSIM – Berger Gallery – Barcelona
2010
Euskaltel – Parque Tecnológico de Zamudio (Vizcaya)
SUPERMENEOS – Sala Portalea – Eibar (Guipúzcoa)
2009
ARVUM – Galería Aixerrota Arte – Getxo (Vizcaya)
2008
Expodistrito – Bilbao (Vizcaya)
Museo de Arte e Historia de Durango (Vizcaya)
2007
Casa de Cultura, Bakio (Vizcaya)
Ayuntamiento de Plencia (Vizcaya)
EXPOSICIONES COLECTIVAS
2022
PAPER! – Beers London – Londres (Reino Unido)
2020
Paint Talk (online)
Galerie Biesenbach (online) – Colonia (Alemania)
The Linocut (online) – Londres (Reino Unido)
Eldevenir Art Gallery / Galería Zunino (online) – Málaga / Sevilla
Showhouse JayJay (online) – Amberes (Bélgica)
2019
I Bienal San Lucas de Arte Contempoáneo – Plasencia (Cáceres)
Galerie Sebastien Adrien – París (Francia)
Galería Ormolú – Pamplona (Navarra)
2018
22 Certamen Nacional de Pintura Ciudad de Antequera 2018 (Málaga)
26 Premi Telax – Galería Antoni Pinyol – Reus (Tarragona)
Galerie Sebastien Adrien – París (Francia)
2017
Galería Ormolú – Pamplona (Navarra)
Premio Internacional de Pintura Focus-Abengoa 2016 – Sevilla
Sala Portalea – Eibar (Guipúzcoa)
2016
Galería Lumbreras – Bilbao (Vizcaya)
XXXI Premio BMW de Pintura – Madrid
24 Premi Telax – Galería Antoni Pinyol – Reus (Tarragona)
2015
Premio Internacional de Pintura Focus-Abengoa 2015 – Sevilla
Premio Ibercaja de Pintura Joven 2015 – Zaragoza
Sala Sarean – Bilbao (Vizcaya)
Incubarte 7 – Valencia
Jeffrey Meier Gallery – Lambertville, NJ (Estados Unidos)
2014
Eskapararte – Barakaldo (Vizcaya)
2012
73 Exposición Internacional de Artes Plásticas de Valdepeñas (Ciudad Real)
Berger Gallery – Barcelona
2011
XX Premio López-Villaseñor de Artes Plásticas (Ciudad Real)
Berger Gallery – Barcelona
Convergencias 2011 – Gijón (Asturias)
Ertibil Bizkaia 2011. Muestra itinerante de Artes Visuales. Sala Rekalde (Vizcaya)
2010
Getxoarte 2010 – Getxo (Vizcaya)
XII Bienal de Artes Plásticas ‘Ciudad de Pamplona’ (Navarra)
71 Exposición Internacional de Artes Plásticas de Valdepeñas (Ciudad Real)
XI Certamen De Pintura UNED (Vizcaya)
Ertibil Bizkaia 2010. Muestra itinerante de Artes Visuales. Sala Rekalde (Vizcaya)
2009
Getxoarte 2009 – Getxo (Vizcaya)
70 Exposición Internacional de Artes Plásticas de Valdepeñas (Ciudad Real)
2008
Getxoarte 2008 – Getxo (Vizcaya)
Ganorabakoak – Sala de Exposiciones de la UPV, Leioa (Vizcaya)
2007
Aula de Cultura de Getxo (Vizcaya)
2006
Sala de Exposiciones de la UPV, Leioa (Vizcaya)
2005
CAPC – Museo de Arte Contemporáneo, Burdeos (Francia)
Josean Ochoa
Mirar al que mira
DEL 11 DE ABRIL AL 6 DE MAYODE 2016
A través de estas pinturas de Josean Ochoa se pone de manifiesto el poder que tiene la mirada humana. Estamos acostumbrados a ver tematizados en el arte los objetos de nuestros sentidos, sin darnos cuenta de que detrás de ellos se esconden actividades profundamente humanas. Vemos árboles, sillas, los colores y las formas más diversas, pero la mirada en cuanto tal parece quedar siempre oculta. Estos cuadros, en cambio, nos esconden los objetos, haciendo que aparezca la acción misma de mirar, y nos sitúan así en un punto álgido de abstracción. Al fin y al cabo son ese tipo de actos fundamentales los que nos definen de forma más radical: somos pensar, somos mirar, somos vivir. Es por eso que detrás de las espaldas de estos espectadores sentimos con mayor viveza la irradiación propia de todo rostro humano, mientras los retratos nos dejan frente al misterio inescrutable de la vida. Si bien cada pintura encierra un contenido radicalmente singular, no es difícil identificarse con cada una de ellas y pasar de ser mero espectador a sentirnos retratados. Por otra parte, la fuerza generada por los espacios vacíos y la atmósfera de incertidumbre plasmada en los fondos más bien opacos sólo acentúan nuestro interés por conocer a las personas retratadas e invitan a nuestra imaginación a ser partícipes de una comunicación que no por carecer de palabras es menos profunda.
Pintar gente que mira, aún estando de espaldas, no es la deshumanización del arte, sino más bien todo lo contrario. Esta serie de pinturas, además de resaltar la mirada como acción, nos hace sentir el peso específico de cada mirada. Quizás esto nos lleve a reflexionar sobre nuestro propio mirar. Es que, así como no todas las miradas son iguales, ninguna es completamente neutral. Y un hecho que no puede negarse es que estamos rodeados de miradas: donde hay un ser humano hay también alguien que mira. Justamente lo más humano de estas pinturas radica en que nos ayudan a valorar a las personas más por lo que son que por lo que tienen o persiguen con su obrar.
José Antonio Ochoa Nace en México DF en 1990. Desde muy temprana edad surge en él un interés por el arte, en especial por la pintura. En 2009 obtiene la Beca “Arte Mexicano Promoción y Excelencia”, que le permitirá realizar sus estudios en Arte. En 2010 viaja a Chicago (EEUU) para participar en distintos cursos en la American Academy of Art. En 2011 se traslada a Sevilla para comenzar la carrera de Bellas Artes. Es en la capital andaluza donde recibe una sólida formación académica. En 2013 es acreedor a una Beca SICUE y se traslada a Valencia para continuar sus estudios en la Universidad Politécnica de Valencia, graduándose en Bellas Artes dos años después en esta Facultad. Si bien se ha dedicado con mayor atención a la Pintura, en los últimos años ha comenzado a trabajar en el ámbito de la Escultura, trabajando con diferentes materiales, como piedra, metal, resina o madera.
Ha realizado diversas exposiciones en México DF, Querétaro, Chicago, Sevilla, Valencia y Madrid. También ha sido seleccionado en distintos certámenes de pintura, como el Premio de Pintura BMW, el Premio de Pintura de la Fundación Mainel (Mención de honor) o el Premio de Pintura S. Soria entre otros.
Actualmente tiene obra en colecciones de México, Canadá, Israel, EEUU y España.
Juan José Aquerreta
Autorretrato
DEL 7 DE MARZO AL 7 DE ABRIL DE 2016
Juan José Aquerreta nace en Pamplona en el año 1946. Entre 1962 y 1964 cursa sus estudios de Dibujo y Pintura en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal. En 1966 obtiene la Beca Extraordinaria de la Excma. Diputación Foral de Navarra y consigue ingresar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid). En 1983 el artista colaborará con la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos; a partir de este mismo año, se dedicará a impartir clases de pintura y dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Pamplona.
Como apunta el propio Alfredo Alcaín en un artículo publicado en la revista Arte y Parte en 1996: “…Me imagino a Juanjo dando sus clases, pintando, al mismo tiempo que los alumnos, los bodegones que sirven de modelo… ¡Qué suerte tener profesores-pintores como Isabel Baquedano y Juanjo.” Referencia esta que ensalza la figura del artista navarro y de la que Alfredo denomina como su mentora; una pintora que marcó el estilo de artistas como Morrás, Garrido y Juan José Aquerreta entre otros. La obra de éste último fue considerada desde el principio por la crítica especializada, de esta forma, pudo consolidar una obra acreditada y admirada en diferentes museos y en diversas colecciones privadas como públicas.
Así pues, no es de extrañar que sus obras estén presentes en colecciones como la de Argentaria y Endesa, La Caixa, la Caja Municipal de Pamplona, Gobierno de Navarra y Gobierno Vasco, Ministerio de Asuntos Exteriores, Museo de Bellas Artes de Bilbao, Museo Contemporáneo de Madrid, Museo Salvador Allende y Palacio del Senado de España en Madrid. Aquerreta y su obra están estrechamente vinculados a la prestigiosa Galería Marlborough, con la que ha podido exponer en Nueva York en los años 1999, 2000 y 2001. Su carrera artística está jalonada de importantes eventos y en un futuro próximo seguirá proyectándose su obra, gracias a una importante exposición antológica de la totalidad de su obra que se realizará en el Museo Reina Sofía de Madrid. Ha recibido, entre otros, el Premio Nacional de Artes Plásticas (2001) y el Premio Príncipe de Viana de la Cultura (2003).
En su obra, Juan José Aquerreta no busca mostrar lo aprendido, el conocimiento adquirido, ni tan poco su magnífica capacidad artística, si no que busca la sabiduría. Se le reconoce por la intensidad que es capaz de plasmar en sus creaciones, tanto en un simple apunte como en el cuadro más elaborado. Dicen de él que se trata de un artista profundo y solitario.
Mario Molins
Obra escultórica
DEL 18 DE ENERO AL 26 DE FEBRERO DE 2016
“Fénix” es la metáfora del renacer de la vida expandiéndose, mediante un discurso estético y espiritual sobre la fuerza de la Naturaleza. Nos adentramos en la propia esencia de ésta, manifestada mediante un trabaj sensible, sutil, que se abre ante nosotros a través de la materia tallada.
Las obras, instaladas sobre tierra, nos trasladan a un espacio místico, contemplativo, el concepto de territorio desde el que renacen las intervenciones.
Soy el último en tu camino
la última primavera y última nieve
la última lucha para no morir.
Y henos aquí más abajo y más arriba que nunca.
De todo hay en nuestra hoguera
piñas de pino y sarmientos
y flores más fuertes que el agua…
Hay barro y rocío…
La llama bajo nuestro pie la llama nos corona.
A nuestros pies insectos pájaros hombres
van a escaparse
Los que vuelan van a posarse.
El cielo está claro, la tierra en sombra
pero el humo sube al cielo
el cielo ha perdido su fuego.
La llama quedó en la tierra.
La llama es el nimbo del corazón
y todas las ramas de la sangre
Canta nuestro mismo aire.
Disipa la niebla de nuestro invierno
hórrida y nocturna se encendió la pena,
floreció la ceniza en gozo y hermosura
volvemos la espalda al ocaso.
Todo es color de aurora.
Paul Eluard
Del Poema Ave Fénix
(Francia, 1895 – 1952)
Mario Molins tiene un recorrido artístico importante. Es un escultor de Binéfar, nacido en 1983, licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, con estudios de doctorado y de espíritu inquieto. En su época universitaria fue becario del departamento de escultura, en la especialidad de fundición y participó como ponente en el congreso de fundición artística, organizado por la Universidad Politécnica de Valencia.
Desarrolla su labor pedagógica continúa como docente en Monzón. Ha impartido seminarios de arte y paisaje junto al profesor Carlos Naya, en la Universidad de Navarra. Han sido numerosas las menciones en concursos, habiendo recibido primeros premios, como el del concurso de escultura organizado por la fundición dúctil Benito, el primer premio del concurso de arte joven organizado por el Centro Cultural Cotxeres-Casinet de Barcelona y el primer premio del Concurso de escultura Silvestre d´Edeta de Valencia.
Ha expuesto tanto en España, como en el extranjero. Son veinte las exposiciones individuales que ha realizado, entre las que hay que destacar, la exposición en el CDAN-Fundación Beulas de Huesca, la exposición del Parque José Antonio Labordeta de Zaragoza, o la muestra en Espace Art Gallery, en Bruselas, entre otras. En cuanto a las exposiciones colectivas, son treinta y tres las exposiciones que ha llevado a cabo.
Molins ha investigado y practicado la escultura en piedra, con la que en numerosas ocasiones a conformado esculturas de gran carga estética y simbólica, una de ellas es la realizada en Binéfar una escultura de piedra de Calatorao y bronce en la que poetiza la piedra convirtiéndola en un símbolo del tiempo y de la evolución de la materia. Con el bronce ha investigado sobre técnicas y pátinas naturales, aplicadas a este metal. Cuando trabaja la madera, lo hace con un gran respeto hacia la naturaleza. El artista deja que el material comunique y logra que se establezca un diálogo entre el arte y la naturaleza. Molins escudriña dentro de los troncos, busca el paisaje al que perteneció el árbol, lo deja hablar, para descubrirnos todo un mundo, para mostrarnos la naturaleza.
Nekane Manrique
Obra pictórica
DEL 16 DE NOVIEMBRE AL 18 DE DICIEMBRE DE 2015
Exposición pictórica que hace un recorrido por las diferentes series que han ido marcando la evolución de mi obra: Desde mi interés por el paisaje aéreo, a la fusión de paisajes en el interior de siluetas femeninas, a la obra más reciente que muestra sólo el cuerpo y la figura.
-Pinturas aéreas fue el proyecto originario que inicié en 2009. Empecé a trabajar a partir de la experiencia personal de volar en ultraligero. Mis pinturas comenzaban a reflejar el interés por descubrir nuevas visiones y perspectivas del paisaje elevando los pies del suelo. Paisajes que se convierten en investigaciones topográficas del terreno (relieves, pendientes, planos de altitud, estratos, etc.).
-Anatomía topográfica aúna el cuerpo de la mujer y la representación de paisajes sobre el mismo. En esta relación del ser humano con la naturaleza, ésta hace de mediadora ocultando su evidente desnudez y pudor. Su objetivo es unir el paisaje sublime con lo hechizante de la belleza femenina. Creando una nueva experiencia visual que refleja las relaciones entre las zonas del paisaje y cierta simbología con la anatomía del cuerpo.
Así, el cuerpo femenino muestra lo más salvaje de la persona o lo más cautivador a través de un escenario lleno de fuerza, donde las manchas de color y las formas toman un significado simbólico y personal. Lo íntimo, las capas de la piel y los estratos del paisaje nos llevan a una introspección interior o a un sueño que encierra cierto surrealismo.
-Cuerpos etéreos trata de indagar en la relación del sujeto con el propio yo. Retratos femeninos en espacios neutros, medio de evasión para tratar de buscar un equilibrio mental y físico. Imágenes inmersas en el silencio creándose atmósferas de paz y tranquilidad o por el contrario de intriga y misterio, generándose sensaciones ambiguas que hablan de dramas románticos, psicológicos, etc.
En mis obras se congela el tiempo y la emoción de una actitud. Creo ambientes con restos de soledad y melancolía cuyas figuras solitarias en el espacio están inmersas en pensamientos y en la contemplación. Normalmente irradian fragilidad, evocadora sensibilidad y belleza; ya que me interesa la creación de imágenes visualmente poéticas.
Pinturas que utilizan la imagen fragmentada para composiciones y encuadres que nos remiten a la televisión y al cine. Fragmentos que dotan a la obra de misterio al ocultar parte de los personajes (figuras cortadas a la altura de los ojos, de espaldas al espectador, etc.). Además los títulos de las obras forman parte también de ese juego enigmático, dando otro sentido a cada cuadro con múltiples lecturas.
En definitiva, pretendo investigar sobre el cuerpo, la expresión facial-corporal y los sentimientos a través del lenguaje no- verbal. Una exposición para poder disfrutar de una revisión de estos últimos años de mi trabajo de forma estructurada, innovadora y coherente.
Nekane Manrique Mezquita, artista nacida en 1985 que trabaja y reside en el Valle de Trápaga, Vizcaya. Su trayectoria se inicia a la temprana edad de 9 años acudiendo a clases de dibujo y pintura hasta su ingreso en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco, donde se licencia en el 2008 y cursa dos años más de Doctorado obteniendo el DEA. Posteriormente en 2010 realiza un Máster de Formación de Profesorado de Educación Secundaria Obligatoria en la Universidad de Miguel Hernández de Alicante y trabaja como profesora de Plástica y de Pintura Artística en un Instituto. Ha recibido numerosas becas de creación en Málaga, Madrid, Granada, Valencia, etc. Así como a nivel internacional en Serbia y Eslovenia. También ha sido seleccionada en el curso Maestros de la Figuración impartido por el prestigioso pintor Antonio López en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Pamplona.
Antxon Hernández
33 fotografías
DEL 5 DE OCTUBRE AL 13 DE NOVIEMBRE 2015
Al contrario de lo habitual, esta exposición es el resultado de un libro, y no al revés. Hace dos años Antxon y yo quisimos emprender una nueva aventura arquitectónica, visual y editorial. Nuestra primera aventura, el libro “Madrid mira sus estatuas” fue hace ya veintidós años, y la segunda, la publicación de “Setenta escalones. La escalera en el tiempo y en el espacio” la terminamos hace dos. Ambas han sido experiencias siempre gratificantes, tanto en lo personal, como en lo profesional.
Hoy al contemplar esta colección de sus miradas a estas grandes y magníficas escaleras, creo encontrar determinados vínculos entre ellas, por mucho que estén alejadas en el tiempo y en el espacio, sus facturas materiales, encuentro en ellas vínculos visuales, vínculos atmosféricos, emocionales, fragmentos de actitudes, y de relaciones.
Si como tantas veces sabemos mirar, y adoptamos una posición activa en el hecho de contemplarlas detectaremos con facilidad una determinación común que creo que es la esencia del trabajo de Antxon: Hacer visible el espacio invisible, que se recoge en cada uno de estos pequeños y grandes espacios arquitectónicos construidos por el elemento que posiblemente imprima más carácter en las obras de arquitectura: La escalera.
Desde la distancia, esas escaleras serían solo imágenes, pero las propiedades de estas fotografías, instantes capturados inteligentemente -a veces de forma furtiva, otras lenta y concienzudamente- son presas capturadas por el objetivo silencioso y certero de Antxon Hernandez; cazador ávido de lo intangible, rastreador en un viaje a lo largo de nuestra cultura arquitectónica más reciente.
Las propiedades de sus fotografías se explican más allá de lo que sucede en ellas. La luz cualifica estos espacios en blanco y negro en la búsqueda paciente de sus equilibrios que sólo el ojo preciso del fotógrafo intuye, y luego construye, para más tarde compartir la experiencia con el observador. Vinculadas no solo al sentido de la vista, porque hay cosas que suceden más allá de la mera imagen y que él nos reta a descubrir.
Quiero pensar que hay una determinación común que sigue todo este proceso, y que Antxon, hombre de pocas palabras, no dice, sino que cuenta en cada uno de sus trabajos interrelacionados entre sí, y que transfiere de unos a otros, y donde el orden no es lo importante, porque la arquitectura de esas imágenes si fuera así, acabaría en sí misma.
Lo importante es la mirada dirigida y construida que llama nuestra intención con las herramientas exclusivas de la fotografía: La luz, y esencialmente la sombra que construye lo físico, porque un lugar sin sombra, es un lugar sin materia.
Eso es lo que tienen las fotografías de Antxon: Materia.
Antonio Ruiz Barbarin
Prof. Titular ETSAM – Comisario. Febrero 2015
Antxon Hernández nace en San Sebastián en 1958. Estudia en el CEI de Barcelona y en Parsons School of Design de New York, donde trabaja como free lance durante 4 años. En 1958 vuelve a España, donde compagina el trabajo publicitario con el editorial, principalmente entre Madrid y San Sebastián. Fruto de su trabajo ha tenido relación con artistas y arquitectos de la talla de Richard Serra, Oteiza, Miquel Barceló, Moneo y Saenz de Oiza entre muchos otros. También ha colaborado con numerosas agencias de publicidad y revistas especializadas.
Pedro Zamora
Yo no pinto nada
DEL 13 DE ABRIL AL 13 DE MAYO 2015
«Lo bello se halla removiendo escombros». La voz del poeta Antonio Porchia parece encarnarse en esta obra donde una materia prima pobre y desahuciada se convierte en la protagonista absoluta.
Puede parecer extraño, pero todo comienza con unos cartones en la acera. Una visceral atracción por el color prende la llama e impulsa a la acción directa, recogerlo físicamente allá donde fuere y conservar, como fuego sagrado, ese deslumbramiento en el estudio. Y es manipulándolo, esto es, en el diseño, proporción y disposición de cada pieza como se produce la catarsis que lleva a estas cajas rescatadas literalmente de la basura a vivir otra vida, la del arte.
En una aparente boutade que veremos no es tal sino la decripción literal de su trabajo, Zamora titula la muestra: «Yo no pinto nada». Alejado de lo virtual que parece invadir nuestro día a día, el autor recupera con esta técnica personalísima sensaciones básicas de la pintura entendida como presencia que deleita.
Esa vuelta al origen se inicia con una opción radical: la utilización del cartón como única materia prima. Cada una de las piezas que conforman las obras ha sido previamente encontrada, elegida y «arrebatada» a la calle como proceso previo a la posterior indagación formal.
El Mediterráneo, patria verdadera, que desde Grecia ha exigido siempre la gracia del perfil vibrante y la armonía del equilibrio formal, vive aquí. Renace en esta misteriosa acumulación de desechos rehechos de los que, paradójicamente, surge una asombrosa claridad.
El conjunto revela un aire atemporal donde se integran elementos en principio ajenos a una ortodoxia de lo concreto. La consistencia del orden y el ritmo compositivo preparan la acogida a elementos fortuitos, aparentemente fuera de control. Así, el dibujo tembloroso, resquebrajado e incierto de algunas líneas se bate en duelo con la geometría pura. Y es, precisamente, esta lucha la que torna amable la contundencia del planteamiento.
En este conjunto de «Cartones», delicadas estructuras emergen entre los campos de color y se enriquecen con la salpicadura de lo cotidiano. Las imperfecciones del material, las roturas y el rastro de adhesivos despegados dejan huellas de anónima espontaneidad en obras que resultan auténtica «pintura sin pintura».
Las «Maderas» continúan este proceso…trozos de listones encontrados en la calle, muestras de molduras desechadas y sufridos tablones de obra, se entrelazan en piezas donde se difuminan los límites entre pintura y escultura.
Pedro Zamora nace en Barcelona en 1968 pero vive y trabaja en Málaga. Es licenciado en arquitectura por la Escuela Superior Técnica de Arquitectura de la Universidad de Navarra y realizó su primera exposición individual en 1999. Desde entonces no ha dejado de exponer con asiduidad en ciudades como Barcelona (Galería Tuset), Málaga, Pamplona y Almería así como también en otros paises como Italia (Globart Gallery de Acqui Terme y la Galleria Statuto 13 de Milán). Su obra se halla presente en diversas colecciones privadas de España, Italia, Suiza y Alemania.
Fernando Mardones
Poética de la forma
DEL 2 AL 20 DE MARZO 2015
El título de esta muestra que presento en el espacio expositivo de “La Puerta Gótica” en el Colegio Mayor Belagua de Pamplona, alude a mi práctica artística: una pintura experimental que aborda el trabajo plástico como aplicación de un sistema caligráfico de signos alejados de un contenido narrativo o simbólico, para dejar que la mirada se pose en la sensibilidad y explore las potencialidades de la pintura, del grabado y de otras piezas expandidas.
El trabajo se centra en el gesto del trazo y en la textura de la forma y el color. Como una suerte de escritura, que se materializa en distintos soportes, se fijan las capturas conscientes o inconscientes teniendo presente que, a veces, resulta difícil explicar la experiencia artística: no hay un sistema único de lectura o interpretación de la pintura para poder mirar más dentro y más allá de la apariencia de las cosas.
Este texto-presentación tiene, en parte, un carácter autobiográfico y sitúa la acción creativa en el surrealismo, en su vertiente gestual y automática; en la búsqueda de una normativa para fijar las capturas del inconsciente. Parte del supuesto de que todo tiene explicación dentro de la vida de modo que, cuando no puedes encontrar la causa de ciertos comportamientos, surge la tendencia a localizarla en el inconsciente, proyectándola emocionalmente como pintor y grabador.
En la obra pictórica expuesta los procesos de trabajos son variables. En unas aplico la pintura, principalmente óleo en barra, sobre lienzo, por capas superpuestas en diferente escala e intensidad cromática. Sobre el papel, la materia pictórica es mayormente pastel graso que, por frottage desde matrices de madera originales, conforman a la vez la expresividad del gesto con la textura formal de la matriz y el color.
En la obra gráfica sobre papel, la estampa recoge la impronta del gesto grabado con la técnica del aguafuerte sobre un soporte de cobre; y también, cuando el soporte es de madera, a partir de una técnica original: la fotoxilografía tallada o grabada por el proceso abrasivo.
La obra más experimental sobre otros soportes de metal y de madera que contextualizo en el campo expandido de la pintura y de la gráfica, aportan contenidos plásticos a los propios soportes grabados y, también, los que presentan formas impresas por serigrafía y por procesos de transferencia en frío.
Pinturas, grabados y obras expansivas en otros soportes, todas ellas agrupadas en distintas series, ordenan el material de esta exposición con el fin de mostrar mi lenguaje artístico. El objetivo, en el conjunto de estas obras, es el de explorar las posibilidades expresivas del dibujo al margen de su función representativa donde intervienen, la mano y el cerebro, la técnica y la sensibilidad.
Nació en Bilbao en 1951. Es pintor, grabador y profesor titular de grabado y técnicas gráficas en la Facultad de Bellas Artes de la Euskal Herriko Unibertsitatea / UPV desde 1987. Doctor en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco / EHU. Ha realizado 18 exposiciones individuales y ha participado en 72 exposiciones colectivas a lo largo de todo el territorio español.
César Barrio
El rumor y el sonido
DEL 15 DE ENERO AL 15 DE FEBRERO 2015
“La piel es lo más profundo”
Esta frase de Paul Valéry sintetiza muy bien la obsesión del arte occidental por esconder la máxima profundidad en la superficie. Enraizada como símbolo en nuestra noción de realidad y sueño, en nuestros actos y proyecciones, parece ser más ese gesto que se remonta así desde una memoria primigenia perdida.
La busqueda de la «existencia» de la imagen nos conduce a encontrar su alma en la palpitación de ese espacio entre la piel y la carne. En esa dislocación entre planos del tacto y la mirada se encuentra el campo de batalla, el misterio. El mezclar temporalidades distintas en la imagen, el descubrir que el espacio existe solo como ilusión de espacio, que nuestra mirada existe solo como memoria de esa mirada son las estrategias de nuestra sensación. Su toma de conciencia se asemeja a ese mismo intervalo que aparece entre ruido y música, entre el rumor y el sonido.
http://cesarbarrioblog.blogspot.com.es
Nace en Oviedo en 1971. Sus años de formación vienen
marcados por una temprana amistad con los pintores
Eduardo Úrculo y Joaquín Vaquero Turcios. Comparece a sus
cursos y talleres como el de la Fundación Botín en el 2000.
Licenciado en arquitectura por la Universidad de Navarra en 1999 ha seguido vinculado al mundo académico dando cursos y conferencias por diversas Escuelas de arquitectura como en Zaragoza, Toledo o Pamplona. Colaborador habitual de estudios de arquitectura, son especialmente relevantes los trabajos realizados para el estudio Vicens-Ramos en Córdoba o su intervención en la catedral de St. Peter en Salzburgo. Seleccionado para distintos simposios internacionales de artistas, ha colaborado en proyectos heterogéneos con músicos, escritores o poetas.
Entre sus últimas exposiciones destaca su participación en la colectiva de la Fundación Amelia Moreno en Quintanar, La Mancha o la exposición conjunta con Vicente Pastor en Madphoto-gallery en Madrid.
F.J. Berguizas
Caleidoscopio
DEL 24 DE NOVIEMBRE AL 10 DE DICIEMBRE 2014
“Tu mirada enmarca la escena, ten el valor de convertirla en una fotografía”
F.J. Berguizas
Al vivir muchos años en una ciudad, esta se te va metiendo en la piel. Es el escenario de tus emociones, alegrías, trabajos, sinsabores, etc. Algunos de sus lugares los conoces tan bien que casi son como una habitación más de tu casa, en la cual te sientes en intimidad. Entonces surge la curiosidad. La fotografía es un medio para curiosos. Tienes que girar el “tubo” de tu mirada como un Caleidoscopio, para que lo conocido resulte nuevo y que esos lugares ya vistos te aparezcan como si nunca los hubieras percibido. Así se convierten en un buen guión para una fotografía.
http://fjberguizas.com
Hace ya unos años comenzó a hacer fotografía y le sorprendió de lleno en el cambio de lo analógico a lo digital, de lo cual manifiesta estar encantado. Su formación es mitad autodidacta y mitad reglada. Profesionalmente está ligado al mundo de la fotografía pues gestiona un Archivo fotográfico y es editor gráfico de varias revistas.
ÚLTIMAS EXPOSICIONES INDIVIDUALES Y COLECTIVAS
2011 Galería Kayua (Junio). Zarautz
2011 Galería Amador de los Ríos. Madrid
2012 air_port_photo, PHOTOESPAÑA 2012
2012 Exposición Pedro Ros
2012 Galería Kalon. Tudela, Enero 2012
2013 Enmarco 2013
2013 «Mujer en los ojos del mundo». Logroño, Diciembre/2013
PREMIOS
2008 Finalista premio extraordinario de Fotografía de la Fundación Aena
2010 Obra seleccionada Concurso Fotografía Ayuntamiento Majadahonda
2010 Ascesis Concurso fotografía Fundación Progreso y Cultura.
Natxo Arteta
Betikotasuna, nire aitari. Eternidad, a mi padre.
DEL 4 AL 21 DE NOVIEMBRE 2014
Líneas y espacios. Evolución.
Las líneas son capaces de entrar en un espacio y viajar a través de éste, hacia dentro y hacia fuera. Las líneas evolucionan y se transforman.
Durante el proceso artístico de desarrollo de un lenguaje mediante el uso de elementos que puedan contribuir a alcanzar un mensaje consistente en el cuadro, las líneas juegan un papel importante, pues actúan como vehículos de comunicación. Las líneas trabajan junto a los distintos espacios, y se ven reforzadas por los colores.
En esta fórmula, las líneas, los espacios y los colores, actúan juntos para crear la base y la gramática en la que se sujeta el mensaje.
http://natxoarteta.blogspot.com.es
Natxo Arteta (1965) es un vasco internacional que alterna su producción entre España y EE.UU. Allí llevó a cabo sus estudios de Arte y Humanidades, concretamente en Pittsburgh, donde trabaja con la Concept Art Gallery. No deja de lado Europa, ampliando sus estudios en la Escuela Torre di Babele en Roma. Trabajó durante una década con Raimond Maragall, marchante de arte, y con la Sala Parés, de Barcelona.
Licenciado en Estudios Artísticos por la Universidade Aberta de Lisboa, en la actualidad se encuentra preparando el Doctorado en Arte Digital y estudios de Grado en Arte y Educación, ambos en la misma universidad. Ahijado de Adolfo Ruiz Abascal, y discípulo de Paco Soto Mesa y Mª José Bagazgoitia.
Es seguidor del espíritu expresionista de la escuela alemana anterior a la Segunda Guerra Mundial y de la escuela constructivista rusa. Su trayectoria discurre en paralelo a estas dos tendencias. Sus trabajos tienen como soporte tanto el lienzo como la tabla, y también el papel, en dibujos y en grabado, utilizando técnicas mixtas. En un intento de analizar estas dos tendencias, su trabajo busca la relación de los espacios con las líneas y los colores, en especial con la investigación del comportamiento de los grises. Plantea la pintura como un lenguaje y utiliza los colores como si fueran una gramática con la que se componen las historias que cuenta en sus obras.
Elena Poblete
Retratos
DEL 23 DE SEPTIEMBRE AL 17 DE OCTUBRE 2014
Este proyecto se centra en el sujeto y sus emociones, deteniéndose ante la fascinación de la mirada, capaz de captar la atención y transmitir sentimientos.
La confección de la obra, realizada a través de fragmentos de pruebas de impresión de mi tesis doctoral, son restos rotos en una acumulación de datos ahora caótica y desestructurada, una suerte de memoria disgregada y fuera de contexto. Un discurso riguroso que deriva en discurso sin sentido a través de palabras que se mezclan caprichosamente, donde las letras pierden su propósito de lectura, interesando como mancha que conforma grises de diferente intensidad capaces de definir rostros.
Los sujetos aquí representados transmiten vida, acción, participación a través de una mirada que desafía y supera retos, una mirada que es potencialmente activa y llena de complicidad, en una búsqueda de diálogo con el espectador al que pretende atrapar e involucrar. Composiciones claras donde la luz y el blanco como concepto representan inocencia y osadía, esperanzas y miedos, ilusiones y dudas.
Doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid 2013.
Diseñadora Gráfica por el Istituto Europeo di Design de Milán 1991-92.
Profesora de Fotografía y Técnicas de Reproducción Industrial en la Escuela de Artes de Toledo 1994-95.
Profesora de Diseño Asistido por Ordenador en Escuelas de Artes, Toledo, Tomelloso y Ciudad Real 1995-2013.
Profesora de Audiovisuales en la Escuela de Artes de Cuidad Real 1999-2002.
Profesora de Proyectos Básicos de Diseño Gráfico en la Escuela Superior de Diseño de Ciudad Real 2002-10.
Jefa de Departamento de Diseño Gráfico en la Escuela Superior de Diseño de Ciudad Real 2002-13.
http://elena-poblete-muro.blogspot.com.es/
Alberto Ponce
El espacio del color
DEL 25 DE MARZO AL 15 DE ABRIL 2014
Alberto Ponce (Barakaldo, 1976) es licenciado en Bellas Artes y actualmente compagina su carrera artística con la docencia de dibujo y pintura en su propio estudio en Barakaldo.
Ponce ha expuesto en numerosas regiones de nuestro país y ocasionalmente en el extranjero. Fruto de ello ha sido merecedor de premios y galardones como la Mención de honor, Saliés de Bearn (Francia, 2008) y Primer Premio Certamen de Pintura El Nuevo Barakaldo (2003), entre otros muchos.
Paco Sada
Miradas cruzadas
DEL 4 AL 21 DE MARZO 2014
Paco Sada (San Martin de Unx, 1961), reside a caballo entre Paternáin y Barañáin, Navarra.
Se inició en fotografía de manera aficionada, autodidacta y relativamente tarde. Su progresión como fotógrafo ha venido a través del fotógrafo y profesor, Carlos Cánovas, al que conoce en el taller de fotografía de Zizur Mayor desde hace más de 5 años.
Ha trabajado siempre en formato digital. Sus primeros trabajos son de temática paisajista, predominando una visión de admiración sobre el paisaje. Destaca “Naturaleza intervenida” expuesta en la librería Auzolan en 2011 y en la galería Kalon de Tudela en 2013.
Más adelante sus trabajos han ido hacia temas más abstractos, buscando la geometría, la textura, el movimiento. Destaca la serie “Movimiento: colores y sensaciones” realizada en el velódromo Miguel Indurain en Tafalla y expuestas en la sala Opera Prima de la AFCN (agrupación Fotográfica y Cinematográfica de Navarra) en 2010, en el vestíbulo del Edificio Central de la Universidad de Navarra en 2011, en la galería Eleskaparate, Barakaldo en 2011 y en la galería Kalon en 2013.
Participa desde hace años en el Colectivo Higuera de Tafalla.
Desde el año 2013, ha sido dinamizador fotográfico a través de la fundación del “Colectivo Zzzz” en Pamplona y su proyecto inicial “A propósito de…”.
Ha obtenido reconocimiento por su trabajo en concursos y rallys fotográficos a nivel provincial.
Javier Álava.
Javier Santurtún
Retos, Restos
DEL 4 AL 28 DE FEBRERO 2014
El tiempo pasa,
pesa,
pisa
y posa;
también en la obra de Javier Santurtún.
El creador hizo su obra y los hombres la
desarticulamos, componemos, pervertimos,
reorganizamos, destrozamos, recreamos,
amontonamos, distribuimos y hasta la desolamos.
Algunos contemplan; quizá lo sublime de la
naturaleza: el cosmos, la tierra, el mar y el cielo; o
también lo ordinario, y lo extraordinario de lo más
tremendamente «ordinario» y casi despreciable.
El tiempo vence y trasforma, a veces duramente.
Donde se vió dolor, se descubre ternura; de la
destrucción, la suciedad, y el abuso, surgió la belleza
que el hombre anhela: la cualidad redentora de quien
descubre y espera.
Dionisio Alonís
Javier Santurtún nació en Barakaldo, en el año 1956. En 1985 se licenció en Bellas Artes en la Universidad del País Vasco. Desde el año 1979 al 1999 trabajó en el Departamento de Artes Plásticas del colegio Gaztelueta.